Miscelanea

Eduardo Arroyo ante cuatro décadas de obra en lápiz

Cultura ElPaís - Mar, 01/12/2015 - 01:53

Tina, aquella chica del año 65, o los despreocupados muchachos de los ochenta con gafas de cristales azules y rojos. Jack Johnson y Panama Al Brown, púgiles de leyenda. Miró, Dali y Peggy Guggenheim, “que esa sí que compraba cuadros a diario”. U Orson Welles y Fantomas, siempre Fantomas. Una línea trazada con lápices de colores une el rastro de tan marcadas personalidades en la primera presentación en cinco años para una galería de Madrid del pintor Eduardo Arroyo (Madrid, 1937), que reúne cuarenta años de obra sobre papel, con piezas nunca vistas, en el espacio de Álvaro Alcázar del barrio Salamanca. Es el trabajo de toda una vida al servicio de los viejos Alpino, primero, y de los “eficaces” Faber Castell de tiempos más recientes. “Empecé a usarlos de niño, cuando en casa me tenían prohibidas la tinta china y las acuarelas, que lo ponían todo perdido”, explica Arroyo, con robusta decisión, mientras va de un lado a otro, guiado por el capricho de sus recuerdos.

La visita puede funcionar como un repaso a una de las trayectorias más decisivas del arte español del último medio siglo, un viaje que se remonta a los tiempos previos a su “marcha a París”, adonde el joven Arroyo llegó en 1958 para abrirse paso sin contactos en la temible ciudad, firmar algunas de las páginas más brillantes de la figuración narrativa y, de paso, pegarle una paliza pictórica a Duchamp (en el cuadro Vivir y dejar morir. El fin trágico de Marcel Duchamp, firmado con Aillaud y Recalcati y expuesto en el Reina). “Siempre he dibujado compulsivamente”, explica el artista, “no paro ni cuando estoy hablando por teléfono, y nunca he sido de tirar nada”. De la suma de esas costumbres resulta una “antológica de los iconos más constantes de mi carrera".

De la mando de estos viejos conocidos, Arroyo regresa, tras sendas exposiciones en grandes instituciones (el Prado y el Círculo de Bellas Artes), al terreno primigenio para la apreciación y el moderno intercambio artístico: la galería. En un momento en el que estas, acosadas como están por el IVA y la falta de sensibilidad institucional, pugnan por su sentido. “No han bastado estos años de democracia para conseguir crear un mercado en este país”, lamenta el pintor. “En cuanto vienen mal dadas, se ve la fragilidad del sistema, se ha comprobado que carecía de espesor, y han cerrado algunos espacios importantes. Pero el IVA es una broma, es el chocolate del loro. El problema es que aún todo gira en torno a Arco, y eso no puede ser. Por no hablar del despilfarro institucional; todos esos estúpidos museos autonómicos de arte contemporáneo con colecciones inexistentes y que ahora tendrán que convertirse en ambulatorios. Todos somos culpables, los artistas también, que en cuanto nos dieron un poquito de dinero olvidamos las luchas verdaderas, las batallas culturales”.

Categorías: Miscelanea

La palabra en la cultura judía y cómo sobrevivir a la religión

Cultura ElPaís - Mar, 30/06/2015 - 23:09

Dios es una palabra, y la palabra es dios. Cuatro años tenía Fania Oz-Salzberger cuando descubrió esto sin ser consciente de ello ni de saber sus resonancias en la historia de su pueblo y su cultura, la judía, tan marcada por la religión. Fue cuando leyó la primera palabra: Chocolate. Supo de la importancia de la palabra en su cultura de tal manera que “la nuestra no es una línea de sangre, sino de texto”, afirma esta historiadora que acaba de publicar, en compañía de su padre Amos Oz, el libro Los judíos y las palabras (Siruela). Dos personas no creyentes que responden así a quienes aseguran que no existe la cultura judía. Es más, para ella, y para su padre, todas las culturas pueden sobrevivir después de este momento posreligioso, laico. E ir más allá del uso político.

Ese es parte del secreto de la unidad de la cultura del pueblo judío y de la armonía con el curso de su historia, recogida, retratada o reflejada, a través de los libros centenarios, llámense Biblia, Talmud o Tora, e incluso cualquier obra literaria de autores contemporáneos como Philip Roth o el mismo Amos Oz. En todas esas personas la palabra es como dios, por lo contado, por lo escrito, por lo leído y vuelto a contar en una espiral infinita que convierte vida y tradición en arte literario, escrito y oral.

La palabra crea al mundo y ayuda a moldear la identidad de las personas. En este ensayo, añade, hay tres elementos clave: “Explica el milagro de la cultura judía y explica cómo todas la culturas pueden sobrevivir después del elemento religioso y muestra parte de ese secreto de educación a los hijos donde todo niño judío sabe leer”. Una obra que, más que un eslabón entre la tradición y el presente, crea un diálogo no solo judío, “sino también laico, liberal, moderno, globalizado y on-line que utiliza de manera creativa para la propia cultura”.

El ADN lingüístico y fonético de los judíos trasciende el componente genético y religioso, según Oz-Salzberger. La continuidad biológica no es posible, agrega la historiadora, porque su pueblo ha vivido tantos desastres que ese linaje se ha perdido y en cambio sí son descendientes de una comunidad literaria. “Yo desciendo de una familia sefardí pero no sé dónde está el resto de mis antepasados”, cuenta. En cambio,reivindica y se declara “hija textual” de unos autores, bibliotecarios y descendientes del Talmud y de aquellas mujeres y hombres que escribieron en hebreo y sobre el judaísmo.

Y es aquí donde religión, palabra y texto se trenzan impregnados de política. El tipo de nación que ahora tienen los judíos, aclara la historiadora, no es el nacionalismo del siglo XIX o de comienzos del XX, porque es una nación basada en el texto. “Pertenecemos”, asegura, “a la tierra de Israel pero también a los judíos a través de los textos. Por eso mi padre y yo hemos debatido sobre la teoría de que nuestro pueblo no existe y es solo una religión, pero no es solo eso: somos parte de una nación antigua y pertenecemos, también, a la nación de Israel”.

Ese es el sionismo textual, por así decirlo, que declara la escritora. “No viene del concepto territorial. Por eso estoy más que dispuesta a compartir mi tierra con otra gente, como los palestinos. No necesito toda la tierra. Mi hogar es mi biblioteca y estoy dispuesta a compartir mi biblioteca con todo el mundo. Es una política que en Israel la gente desaprueba”.

Pero más allá de la fuerza y la potencia religiosa en el pueblo judío, Oz-Salzberger recuerda que la Biblia trata también sobre el Estado de derecho, la justicia social, los deberes de la gente hacia los menos favorecidos. No se trata, asegura, “tan solo en Israel de la ultraderecha religiosa que utiliza el Talmud o la Biblia de apoyo, sino que también es poderoso para la izquierda liberal, para los socialdemócratas; incluso para los no religiosos como yo que podemos usar la Biblia como un texto visto desde la perspectiva social actual”.

Mientras en el resto de culturas la línea suele ser padres-historias-hijos; en Israel el concepto de transmisión es un poco diferente: padres-historias-libros-hijos. En los judíos la llegada a ese paraíso léxico-textual empieza cuando son muy pequeños como le ocurrió a Fania Oz-Salzberger. Chocolate fue la primera palabra que leyó. Estaba en el papel que envolvía una chocolatina, y esa chocolatina fue su recompensa por entrar en el reino de las palabras y continuar la tradición milenaria judía de premiar, endulzar, con golosinas a los niños tras leer su primera palabra.

A partir de ahí, todo para los niños son letras que arman la historia y la cultura y donde más que respuestas se fomentan las preguntas, cuenta entusiasta la historiadora. Debatir, cuestionar, polemizar y preguntar. El libro es un ejemplo de ello, el diálogo palpitante, y una gran lección de historia y literatura, entre un padre y su hija, entre un escritor y una historiadora. Dos personas convencidas de que, dice ella, “si uno ya no cree en Dios no puede decir que Dios nos ha creado, pero sí que las palabas nos crean”.

Categorías: Miscelanea

Rubens se muda al centro de Madrid

Cultura ElPaís - Hace 11 horas 25 mins

Nadie podrá negar que, en tiempos así, el nacimiento de un nuevo museo reviste caracteres de epopeya y merece titulares a cinco columnas. En tiempos como estos de duda metódica —y no precisamente referida a Descartes y su búsqueda de la verdad absoluta, sino al muy humano reflejo de “por si acaso no me muevo, que si no, no salgo en la foto”— la inminente apertura del Museo Carlos de Amberes Madrid de Maestros Flamencos y Holandeses se parece bastante a un rayo de esperanza para aquellos que aún creen que no está todo perdido. Para quienes insisten en que no sólo eso de los saberes útiles sirve para afrontar la sucesión de los días.

Habría que ir más allá, habría que preguntarse si, de verdad, la contemplación de algo como El martirio de San Andrés de Rubens, principio y fin de este pequeño pero conmovedor recorrido por el arte de los siglos XVI y XVII, es o no es un saber “útil”. Y cabe responder que sí, si se tiene en cuenta la cantidad de claves que, no sólo referidas al arte sino también a la religión, la traición, la violencia, el odio y el sacrificio, incrusta en quien la mira esta monumental obra de Rubens.

El mismo argumentario cabe aplicar a las escenas campesinas y a los paisajes de David Teniers el Joven, al deslumbrante Retrato de familia de Cornelis de Vos —un fogonazo de eficacia y belleza para plasmar de golpe el célebre y discreto encanto de la burguesía—, a El sueño de Venus de Jacob Jordaens, a La educación de la Virgen del propio Rubens o a las santas Inés y Dorotea de la pintora del XVII Michaelina Wautier, “una de las joyas desconocidas del museo”, en palabras de su director, Fernando Checa, exdirector del Prado y especialista en pintura barroca del XVII.

Los responsables de la Fundación Carlos de Amberes (en el 99 de la madrileña calle de Claudio Coello), que alberga el nuevo museo y que es propietaria del mencionado El martirio de San Andrés, han logrado reunir una colección de 40 obras en la que también figuran artistas como Van Dyck, Van Orley, Van Alsloot o Brueghel el Viejo. Veinte de ellas proceden del Real Museo de Bellas Artes de Amberes (KMSKA), en Bélgica, y diez del Museo del Prado, entre ellas los retratos de la Infanta Isabel Clara Eugenia y del Archiduque Alberto, ambos de Rubens. También la Biblioteca Nacional, Patrimonio Nacional y la Fundación Custodia de París aportan obras. Al conjunto se suman 11 grabados de Rembrandt sobre el tema del desnudo (expuestos de forma temporal hasta el mes de febrero) y el tapiz Los funerales del rey Turno, tejido en Flandes en el siglo XVI y prestado por Patrimonio Nacional, que ayer mismo entraba en el nuevo museo —escoltado por la Guardia Civil— para su instalación.

En el caso del Real Museo de Bellas Artes de Amberes, la cesión de obras ha sido posible, en gran medida, por los actuales trabajos de remodelación, que tendrán el centro cerrado al público hasta 2017. El museo flamenco acaba de cambiar de director, con lo que los gestores de la Fundación Carlos de Amberes, que ya tenían el “sí” de la anterior dirección, siguen negociando para obtener de facto la cesión de obras hasta dentro de, por lo menos, un año. La idea, en adelante, es renovar los fondos incorporando nuevos préstamos de otros museos. “Un museo vivo, un museo que cambia”, zanja Fernando Checa.

Todas las pinturas han sido prestadas por un año renovable. Y la palabra “prestadas” no es un capricho en el texto del contrato entre estas instituciones y el nuevo museo: ya se vio, en el reciente affaire entre El Prado y Patrimonio Nacional a cuenta de las obras de El Bosco y Van der Weyden que Patrimonio quería recuperar, el monumental jaleo que puede llegar a organizar un término como “depósito” en vez de “préstamo”.

Resulta insólito pasear por el corazón del barrio de Salamanca y, al poco de empujar la puerta de una antigua iglesia, apenas recorridos unos metros, toparse con semejante puñado de obras maestras, reunidas en un conjunto que será inaugurado el próximo miércoles por Felipe VI. El rey acudirá no sólo en su calidad de tal, sino también como patrono de honor de la Fundación Carlos de Amberes, institución nacida hace 420 años, cuando el propio Carlos de Amberes cedió sus posesiones en Madrid para un hospital que atendiera a los viajeros procedentes de las antiguas Diecisiete Provincias de los Países Bajos que llegaban a la capital del imperio.

“Este museo es una auténtica joya en el centro de Madrid, y digo museo, porque es un museo, no es una exposición temporal”, explica entusiasmado Fernando Checa, mientras da las últimas instrucciones a los operarios que tienen entre manos a Jordaens, a Van Dyck, a Teniers…

“La idea del museo surgió hace cosa de dos años, cuando nos pusimos en contacto con Miguel Zugaza y con el director del Museo de Amberes, que dieron toda clase de facilidades; se trataba de hacer un discurso acerca del tipo de pintura que hicieron los artistas flamencos y holandeses del XVII: el retrato, la pintura mitológica, la religiosa, y la pintura de género como el bodegón o el paisaje”, argumenta Checa, quien reconoce que no ha sido sencillo escenificar un discurso museográfico para obras de tal calibre en un espacio limitado como son los locales de la Fundación.

Sus responsables han acometido importantes trabajos de remodelación en lo referente al estancamiento de salas, cristalería, seguridad, sistemas antihumedad, etcétera. “Queríamos romper el modelo que impera en Madrid de tantas exposiciones temporales, que no nos parece mal en absoluto, pero queríamos dar una idea de estabilidad”, comenta Catherine Geens, directora de la Fundación, que aspira a recibir 100.000 visitantes al año y que ya tiene en mente las líneas maestras de lo que, a partir de este museo, quiere ser un gran centro cultural de la cultura de los Países Bajos en Madrid.

Categorías: Miscelanea

Joyas de la pintura flamenca y holandesa

Cultura ElPaís - Hace 11 horas 25 mins
Un nuevo museo en Madrid presentará obras de la colección del Prado y el Museo de Bellas Artes de Amberes
Categorías: Miscelanea

Navarro Baldeweg: la arquitectura como laboratorio

Cultura ElPaís - Hace 11 horas 25 mins

Frente al arquitecto que trata de marcar un lugar generando un sello reconocible —y que tanto hemos visto proliferar en las últimas décadas— Juan Navarro Baldeweg (Santander, 1939) eligió la arquitectura como laboratorio. Con el mismo peso en la historia de la pintura y la arquitectura españolas —ganó el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1990 y la Medalla de Oro de Arquitectura en 2008—, este pintor y escultor fue un proyectista tardío. El autor del Museo de Altamira (2001), los Teatros del Canal en Madrid (2009) o la más reciente Biblioteca Hertziana en Roma (2013) empezó a construir con 43 años y ha utilizado la arquitectura para indagar en la física. Más como pregunta que como respuesta, los proyectos de Navarro sorprenden desde la paradoja que hace percibir como ligera una bóveda de hormigón (cuyo perímetro recorta la luz) —como sucede en el Palacio de Congresos de Salamanca (1992)— o alcanzando objetivos contrapuestos. Es así como el Instituto del Conocimiento de Amersfoort en Holanda (2003) busca desaparecer bajo un manto de vidrio ondulante mientras que la biblioteca que concluyó el año pasado en el Palazzetto Zuccari de Roma multiplica el espacio del antiguo jardín tras el grotesco mascheroneque encierra la puerta de acceso.

Así, un recorrido por 32 años de obras y dilemas describe a un arquitecto versátil capaz de desdecirse en cada proyecto. O de reafirmarse, porque en la muestra Un Zodíaco —que él mismo ha comisariado y que puede verse hasta el 1 de febrero en el Museo ICO de Madrid— Navarro ha ordenado sus edificios en torno a los temas que considera esenciales. La luz, la gravedad, la mano y los aspectos constructivos y destructivos de la arquitectura son los pilares de su ecléctica obra. El resto, del resultado formal a los materiales con los que están levantados los inmuebles, es para Juan Navarro circunstancial: “Una vestimenta no fundamental que depende de técnicas o presupuestos”.

Una lección de circunstancia es la Casa de la lluvia en Liérganes (Cantabria), su primera obra, construida para su hermano en 1982, que por los materiales que empleó —piedra, vidrio y zinc— se transforma cuando llueve. De historia y física es la enseñanza que ofrece el Palacio de Congresos de Salamanca, que no solo revela la admiración de Navarro hacia algunos proyectistas del pasado (como John Soane) sino que además consigue que esa bóveda envuelta en luz comunique ligereza retando a la gravedad. Es así, con respuestas plurales y recursos contrapuestos, como tres décadas de edificios demuestran que la respuesta que Juan Navarro Baldeweg ofrece como arquitecto es siempre una indagación.

¿Con qué arquitecto se queda de todos los que ha sido? “Creo que he usado la libertad para los temas externos, pero la esencia de mi arquitectura ha sido siempre la misma”, insiste. La muestra recorre esa esencia de consecuencias tan cambiantes. “Mi investigación ha sido constante. El resto es, ya digo, vestimenta”. ¿Por qué ha variado entonces la vestimenta? “Porque la técnica y los materiales han ido evolucionando. También he actuado por compensación. Los materiales y los colores se pueden compensar”.

¿Cuál es el legado de una obra tan plural? Navarro explica que, en última instancia, lo que busca con su trabajo es “celebrar los hechos físicos del mundo en que vivimos”. Lo dicho: utilizar la luz para que flote el hormigón, concentrar el ornamento en una época de edificios icónicos o cambiar los significados haciendo aparecer y desaparecer los inmuebles —destruyendo y recuperando—.

Ese es el mensaje paradójico, cambiante pero continuo, del creador a cuatro manos que es Juan Navarro Baldeweg cuando todas sus inquietudes artísticas convergen en un mismo edificio.

Categorías: Miscelanea

La poesía de la gasolinera

Cultura ElPaís - Hace 11 horas 25 mins

“Hay muchas canciones que escuchándolas te puedes imaginar a su autor viajando y, lo que es más importante, a ti mismo”, le cuenta Quique González al periodista Fernando Navarro en el libro de la quinta entrega de EL PAÍS de Música, a propósito de su versión del tema La vida te lleva por caminos raros, compuesto por Diego Vasallo.

Efectivamente, hay canciones que parecen crónicas de viajes por carretera, y probablemente lo son. La carretera, el movimiento, el paisaje que fluye, la idea de dejar atrás cosas y encarar otras nuevas, la hormigueante sensación de cambio… son conceptos, en general, inspiradores; más aún para los músicos, que se pasan media vida en la furgoneta. No es de extrañar que un alto porcentaje de compositores vea poesía en gasolineras, túneles y cruces de caminos.

Para la mayoría de quienes no somos músicos, un viaje por carretera es también algo familiar, hasta cierto punto frecuente. Y fuertemente ligado a la música: no concebimos un largo trayecto en coche si no es con la compañía de una buena selección musical saliendo por los altavoces del equipo estéreo integrado en el salpicadero. Muchos conductores escogen cuidadosamente la música que quieren que amenice su viaje; la banda sonora de su desplazamiento. Antaño, mediante recopilaciones caseras plasmadas en cintas de casete; más recientemente, en minuciosas elecciones de discos compactos, las cuales, de hecho, dieron lugar a un invento: el del cargador de discos compactos para coche; hoy, entrando en nuestra cuenta de música en streaming para acceder a la lista de reproducción confeccionada, también con mimo, a tal efecto.

¿Y cuál sería esa música ideal para la conducción? Lógicamente, va por gustos. Pero la comunión de música y carretera alcanza su máxima expresión en canciones que parecen nacidas de ese preciso trance, el de la conducción, lo que de por sí constituye una maravillosa conexión entre creador y consumidor. Por razones quizá cinematográficas, esa música suele tener cierto toque americano, guitarras, tempo entre moderado y retozón… y si habla de carretera, mejor que mejor.

Algunas de las canciones más conocidas de Miguel Ríos, Los Rodríguez, Revólver, Loquillo, M-Clan o el citado Quique González están cortadas por ese patrón y por eso forman parte de Frenos de disco, quinta entrega de EL PAÍS de Música, la colección definitiva de 50 años de música en España, y que mañana domingo saldrá a la venta con este diario por 5,95 euros. Pero no solo hay rock: en medio de esa amalgama guitarrera encuentra su sitio natural un espléndido tema de Julio Iglesias, La carretera.

De modo que, para su próximo viaje, no hace falta que se rompa la cabeza: aquí tiene la mejor recopilación.

Categorías: Miscelanea

El silencio tras la muerte

Cultura ElPaís - Vie, 31/10/2014 - 19:25
En 'El camino más largo para volver a casa', el debutante Sergi Pérez habla sobre el duelo y el vacío tras un fallecimiento. El filme participa en el festival de Sevilla
Categorías: Miscelanea

La Junta de Andalucía impulsa otro intento para encontrar a Lorca

Cultura ElPaís - Vie, 31/10/2014 - 18:51

La Junta de Andalucía (PSOE-IU) ha decidido impulsar un nuevo intento para encontrar la fosa del poeta Federico García Lorca, fusilado el 18 de agosto 1936 junto al maestro Dióscoro Galindo y los banderilleros Joaquín Arcollas y Francisco Galadí. Expertos de varias universidades participan en el proyecto, con un presupuesto de unos 15.000 euros.

Está previsto que el sondeo arqueológico comience el 17 de noviembre en el Peñón Colorado, un terreno en la carretera entre Víznar y Alfacar (Granada). El historiador Miguel Caballero, autor del libro Las últimas 13 horas en la vida de Federico García Lorca, lleva años señalando este lugar como enterramiento del poeta.

El Peñón Colorado era un antiguo campo de instrucción de Falange y los expertos creen que hoy puede albergar varias fosas comunes del franquismo. De hecho, el director general del departamento Memoria Democrática de la Junta andaluza, Luis Naranjo, insistió ayer en rueda de prensa en que no solo se busca a Lorca. “Buscamos víctimas”, dijo.

En ese mismo lugar estuvo a punto de construirse en 1998 un campo de fútbol, pero la hermana del poeta, Isabel García Lorca, que tenía entonces 87 años, logró paralizar el proyecto tras escribirle una dura carta al presidente andaluz Manuel Chaves. “Que sean socialistas quienes hayan autorizado el campo es peor porque allí asesinaron a sus correligionarios. Es una vergüenza”, le decía en la misiva. La polémica llegó incluso al diario The New York Times, que publicó un artículo recogiendo la indignación de Isabel García Lorca.

El arqueólogo Javier Navarro dirigirá al equipo, del que forman parte, entre otros, el antropólogo forense Francisco Etxeberria, que ha participado en más de un centenar de exhumaciones de fosas del franquismo, así como en las del poeta Pablo Neruda o el presidente chileno Salvador Allende;  el catedrático de antropología Miguel Botella e incluso varios expertos de la Universidad de Nottingham (Reino Unido). Dependiendo de los hallazgos, se sumaría el catedrático de Medicina Legal de la Universidad de Granada José Antonio Lorente, responsable de la identificación de los restos de Cristóbal Colón.

"Vamos a trabajar en un área de 300 metros cuadrados durante 14 días", explica Navarro a EL PAÍS, convencido del "rigor de la investigación de Miguel Caballero. Tiene las mejores fuentes", asegura.

“Esperemos que esta sea la vencida. Ojalá podamos satisfacer las esperanzas de tanta gente”, explica un miembro del equipo. Le preocupa que se generen demasiadas expectativas y se repita la decepción del primer intento de búsqueda de Lorca, en 2009, con más de 70.000 euros de presupuesto

Categorías: Miscelanea

El Gobierno reduce en 387,6 millones el capital de RTVE para acabar con su déficit patrimonial

Comunicacion ElMundo - Vie, 31/10/2014 - 18:16
Hacienda hace este rescate "por la progresiva disminución del patrimonio neto de la corporación". Según Hacienda, esta reducción permitirá "restablecer el equilibrio patrimonial de la sociedad". Leer
Categorías: Miscelanea

‘Hanky Panky’, el debut en el teatro del cineasta Daniel Sánchez Arévalo

Cultura ElPaís - Vie, 31/10/2014 - 17:09

Daniel Sánchez Arévalo, director de cine y guionista, hace su debut en el teatro con la microobra Hanky Panky que se presentará por tres fines de semana a partir del próximo 21 de noviembre hasta el 6 de diciembre en el Microteatro de Madrid. El elenco de la comedia romántica está compuesto por los actores Inma Cuesta, Hugo Silva y Melania Deocal, ganadora del concurso para formar parte del reparto. Más de 300 candidatos se presentaron al certamén cuya selección final se realizó este martes entre 10 finalistas, poco antes de la presentación oficial del proyecto financiado por la empresa fabricante de ginebra Tanqueray.

El título Hanky Panky viene del cóctel del mismo nombre creado por la británica Ada Coleman, primera mujer coctelera en el mundo. El término en inglés es una alusión a un encuentro sexual de tipo casual. Sin embargo la obra trata de otro tipo de azar. El personaje principal, interpretado por Silva, es un hombre que lleva 33 años viajando en el tiempo en contra de su voluntad. La travesía a través de mundos paralelos inicia una noche en la que tomaba un Hanky Panky con su chica que, como Coleman, también es coctelera. De un momento a otro él empieza a sentirse mal y, sin saber cómo, desaparece, se evapora del lugar e instante en el que se encuentra para hallarse repentinamente en otro sitio y otra época. Su recorrido sin césar a través del espacio-tiempo está lleno de momentos interrumpidos; cada odisea termina abruptamente. El personaje vive esto como una experiencia traumática, su ansia es volver al aquí y ahora del momento en el que estaba con su novia de quien estaba profundamente enamorado y que conocía tan solo recientemente. El anhelo constante por volver a estar con quien considera el amor de su vida, le impide volver a enamorarse o disfrutar de ningún momento presente.

Sánchez Arévalo (Madrid,1970) explica que, sin ser una metáfora, la obra habla de lo que nos pasa a todos en la vida. "En algún momento te desvías, tomas otro camino y no sabes por qué dejaste una historia inconclusa, que hubiera podido ser el germen de algo mucho más bonito". Las oportunidades desperdiciadas tienen que ver para el director con los miedos, las inseguridades. En el caso del personaje de Hanky Panky la decisión de permanecer en una situación cualquiera no depende de él, sino que sin previo aviso es sustraído de toda situación en la que se encuentra.

"En resumen, creo que el tema de los viajes en el tiempo tienen que ver con pensar sobre aquello que hubiéramos podido cambiar. Nuestro deseo de echar para atrás y hacer algo mejor, por ejemplo incluso esta misma conversación", apunta Sánchez Arévalo. El personaje en Hanky Panky no logra reconocer la singularidad de cada momento y lo que representa "el disfrutar el aquí y ahora", abrevia en una frase el director.

En contraste, Inma Cuesta encarna la otra cara de la moneda de lo que es ser un viajero en el tiempo. Ella muestra "el lado lúdico, divertido de ir sin mochila, de ir sin equipaje", explica el autor.

De sí mismo el director comparte: "tengo mucha mochila, cargo muchas cosas". En el video que realizó este periódico sobre Sánchez Arévalo hace unos meses, el artista relata que su proceso creativo es "una búsqueda que puede ser incluso angustiosa". El director añade: "Nunca sabes si vas a encontrar lo que estás buscando” y compara su manera de crear como un “viaje al interior de uno mismo”.

El desenlace sobre los viajes en el tiempo que realiza el protagonista en Hanky Panky será revelado sobre la escena a partir del 21 de noviembre. El director destaca: “Esto es una obra de teatro y no el cine, no puedes hacer flash backs. Así que he pensado de qué manera hacer que lo que relata el personaje principal sea creíble, sin que se lo tache de loco. Estamos hablando de una obra de ciencia ficción pero en ese universo que he concebido quiero que el público se lo crea”.

Categorías: Miscelanea

El Rijksmuseum de Ámsterdam completa su remodelación

Cultura ElPaís - Vie, 31/10/2014 - 16:58

Cuatro millones de personas han visitado el Rijksmuseum de Ámsterdam desde su reapertura, en abril de 2013, tras una década de remodelaciones que ahora concluye. La colección permanente de cuadros de Rembrandt y Vermeer es un reclamo seguro. También lo es la luz natural de un edificio de 1885 (firmado por el arquitecto holandés Pierre Cuypers) y recuperada por sus colegas españoles, Antonio Ortiz y Antonio Cruz.

Pero el museo nacional no tenía una sala de exposiciones temporales, indispensable en cualquier centro de su categoría. Ya sí. Es el Ala Philips, la única que permaneció abierta desde 2003 con un centenar de piezas que no podían hurtarse al público durante tanto tiempo. Adaptada a las exigencias actuales por los propios Ortiz y Cruz, y con una superficie de 3.500 metros cuadrados, albergará muestras exquisitas. La primera está dedicada a la fotografía del siglo XX. A partir de febrero, se presentará al Rembrandt tardío.

La puesta al día del Rijksmuseum costó 375 millones de euros, y la pareja de arquitectos sevillanos ha aplicado al proyecto del nuevo edificio las premisas del museo principal: búsqueda de luz natural y mezcla de antiguo y moderno. En la primera planta del Ala Philips aparecen las salas de exposición, dotadas de un dispositivo que controla el CO2 para regular el gasto de energía. En el techo, la luz inunda todas las zonas. Wim Pijbes, director del museo, llama “blanca sensación” a la producida por las paredes de sus trece espacios, beneficiarios de la luminosidad lograda. En la planta baja hay una entrada a través del patio lateral, que da a la calle, y un restaurante. El acceso al mismo es independiente para favorecer el uso público de las instalaciones artísticas de la Plaza de los Museos de Ámsterdam, donde convergen a su vez el dedicado a Van Gogh y el de Arte Moderno (Stedelijk).

Cuesta imaginar que la reluciente Ala Philips fuera en el pasado un grupo de tres edificios construidos por el arquitecto Cuypers y su hijo, entre 1898 y 1916. Plantados en el jardín del Rijksmuseum, el más curioso almacenaba una amalgama de pedazos de edificaciones antiguas. Guardados por Cuypers por su valor histórico, formaban un conjunto singular en el que destacaban escaleras, muros y torres de diversas épocas rescatados del derribo. Entre ellos figura una parte de la fachada de los establos del Castillo de Breda, una fortaleza situada al sur del país. La primera de estilo renacentista construida en el norte de Europa, la pared es del siglo XVI, tiene 20 metros de largo y está decorada con columnas, arcos, ventanas y puertas. Recuperada por Ortiz y Cruz, domina la nueva distribución.

La muestra elegida para el estreno se titula Tiempos Modernos, fotografía del siglo XX. Son 400 imágenes escogidas entre las 20.000 de esa época guardadas en los fondos del Rijksmuseum (la colección de fotos del XIX suma 130.000 instantáneas). Podrán verse hasta enero de 2015.

Categorías: Miscelanea

Día de todos los gallos, en Barcelona, y en EL PAÍS

Cultura ElPaís - Vie, 31/10/2014 - 16:36

Una verdadera pelea de gallos, de gallos raperos que improvisan versos, se verá y sobre todo escuchará este 1 de noviembre en Barcelona en el Día de todos los gallos. Ocho finalistas de Argentina (con dos candidatos), Colombia, México, Panamá, Perú, Chile y España, compiten por el título de campeón. Cada uno de los concursantes es ganador nacional en su respectivo país. La base instrumental sobre la que los gallos crearán sus rimas está a cargo de DJ Verse. La fiesta cuenta también con la presentación conjunta de los raperos Cookin' Soul, Juan Solo y Tote King y la companía de danza urbana Brodas Bro completa el espectáculo que será presentado por el rapero MBAKA en la Sala Oval del Museo Nacional de Arte de Cataluña. EL PAÍS transmite el evento en directo a partir de las 21 horas del sábado. La marca Red Bull organiza esta final internacional que lleva nueve años de existencia.

Inicialmente participaba Maicol Munior García Rodríguez, alias Junior, por República Dominicana, pero este jueves tuvo que desistir de asistir a la final por problemas con su visa. Lo remplaza el ganador de la batalla de los gallos 2013, el rapero alias Dtoke, que tendrá que defender su título. Otro cambio de última hora es la participación como jurado de Juan Ortelli, experto en Hip Hop y actual director editorial de Rolling Stone Argentina.

Endika Gutierrez, alias Invert, es el finalista por España. Invert explica que su pasión por el rap "nació en la calle", y que se inspira de todo lo que lo rodea: lee los periódicos, ve las noticias y simplemente lo observa todo. Improvisa sobre lo que experimenta, "es algo que ya sale de manera rutinaria, mi preparación es en el día a día", resume. De los otros candidatos dice que "cada uno tiene su estilo propio y punto fuerte, no podría resaltar a ninguno, porque cada uno sorprende de alguna manera. Creo que la diferencia está en los temas, cada quien hace rimas sobre su entorno social".

La pasión por el rap del candidato de México Mauricio Hernández González, alias Aczino, también nació en la calle. "De niño hacia skate y graffiti y veía gente haciendo freestyle. Ahí me di cuenta que podía rapear y que se me ocurrían rimas cuando escuchaba a otros raperos". Ante la pregunta de por qué cree que algunos de los temas del rap tienen que ver con violencia social señala, "porque es algo que se vive actualmente y se hace común. Aquí en Mexico es normal ver portadas con gente sin cabeza o sin brazos y eso lo ven los niños todos los días". Sin embargo apunta que sus versos no se centran en la agresión, la violencia o la crítica social. Para el encuentro del sábado Aczino piensa sobre todo "en no tener estrés, guardar la calma y la mente clara y sobre todo dejar la energía fluir".

Los otros participantes en el concurso son Gonzalo Rodríguez alias Sony por Argentina, Daniel Rendón alias Bigkilla por Colombia, José Montenegro alias Oze por Panamá, Carlos Aníbal Sánchez Lapa alias Carlitos por Perú, y alias Kaiser por Chile.

Categorías: Miscelanea

La escoria que ama Irvine Welsh

Cultura ElPaís - Vie, 31/10/2014 - 14:50

Cuando Jon S. Baird (Aberdeen, 1972) comenzó a adaptar Escoria, la novela de Irvine Welsh, la primera novela que el director había leído del autor de Trainspotting, entraba en terreno pantanoso. Welsh tuvo una mala experiencia como guionista, adaptando algunas historias suyas en The acid house (1998), justo tras el exitazo de Trainspotting. Desde hace unos dos años ha recobrado su amor por el cine: ha escrito el guion de la segunda parte de Spring breakers, ha coescrito The magnificent eleven y John Hodge, que ya adaptó Trainspotting, está con su segunda parte, Porno, de nuevo para que la dirija Danny Boyle.

Y todo ello, gracias al buen sabor de boca que le dejó Filth, las aventuras alucinógenas, la caída a los infiernos de un policía en Edimburgo, que Baird define como "una trágica historia de amor, en la que el protagonista vive su última oportunidad para dejar de ser ese mal tipo". Filth es la clase de películas en las que el espectador acaba preocupándose por un protagonista desagradable, al que da vida un increíble James McAvoy, que no parecería la primera opción para un personaje mayor. "Yo tampoco. Pero él leyó el guion, me escribió un email ofreciéndose. Seguía sin verlo. Pero quedamos, me habló de su pasado en un barrio duro de Glasgow, de los problemas mentales de un familiar suyo. Me cambió mi percepción sobre él en 10 minutos. Además es un tipo hilarante, sorprendente, lo que ayudó mucho en el rodaje". A la hora de inspirarse, Baird buscó otro gran personaje inquietante, y recurrió al antihéroe de La naranja mecánica. "Stanley Kubrick es el maestro en este tipo de películas".

Baird y Wesh tienen un amigo en común que el cineasta usó para contactar con el director: "Cuando yo me interesé por el proyecto ya había habido cuatro o cinco intentos de adaptarla. Él ya había pensado que nunca la vería. Es su libro más complicado [entre otras detalles, uno de los narradores es un tenia solitaria que lleva el policía en su estómago; Baird lo ha suplido por un médico]. Nos juntamos, le expliqué que me parecía su mejor libro, que amaba su humor negro y que iba a respetarlo. Él me propuso que lo intentara, trabajé duro, le envié mi primera versión y creo que entendió mi ángulo cómico. Me respondió con un email maravilloso, en el que escribió: 'No toques ni una palabra'. Solo puedo calificar mi relación con él como estupenda". El balance entre perturbador y cómico fue, para Baird, "lo más laborioso". "Pasamos mucho tiempo en el montaje porque incluso había enormes diferencias entre cada toma. Me sentí como un escultor de hielo, trabajando con mucho mucho cuidado: cada movimiento es delicado y decisivo. Durante cinco años, en mi cabeza solo ha habido una cosa: Filth. Desde que me levantaba hasta que me acostaba, incluso en sueños. Me ha consumido. En un proyecto así tienes que estar muy convencido de que deseas hacerlo. Por eso soy el productor, el director y el guionista".

En Filth está de fondo el auténtico humor escocés, oscuro y siniestro. Baird, McAvoy y Welsh son escoceses. "Nos reímos muy a menudo de cosas desagradables, puede que porque vivimos con ellas, y eso solo se supera con la risa". Ironías de la vida, en Reino Unido Filth se estrenó el mismo día que Amanece en Edimburgo, musical rodado también en la ciudad escocesa (como deja bien claro el título): Extraña pareja. "Son muy distintas. Fue una coincidencia, y lo curioso es que ambas películas no pueden ser más escocesas y diferentes a la vez. Ambos hemos coincidido en las mismas categorías en los BAFTA escoceses. Ya veremos quién triunfa. Es cierto que somos dos caras de la misma moneda: los escoceses... y de una ciudad, Edimburgo. Somos amistosos... Me parece que nos parecemos muchos a los españoles, porque nos gusta la fiesta y el humor negro".

Cuando Welsh le dio el visto bueno al guion, le prometió a Baird que sería un tatuaje en el brazo si acababa la película. "Y lo hizo. A mí se me había olvidado. Y el día en que vio la película, nos fuimos de copas, se levantó la camiseta y ahí estaba: un enorme tatuaje con la cara de cerdo y el gorro policial [hay que ver el filme para entenderlo]". Escoria tiene una segunda parte, Crime, que ya está en manos de Baird. "Antes haré otra película, porque sería demasiado.. [risas] Ahora estoy en Orlando, localizando para mi nuevo proyecto. Hay que variar".

Categorías: Miscelanea

Se incendian las instalaciones de Radio Francia en París

Comunicacion ElMundo - Vie, 31/10/2014 - 13:19
Por las ventanas del edificio, conocido como 'La Maison de la Radio', salen grandes nubes de humo. Los trabajadores han tenido que ser desalojados. Leer
Categorías: Miscelanea

De nuevo, Estrella

Cultura ElPaís - Vie, 31/10/2014 - 11:06

Lo invade todo. El espacio, los aromas, la dirección de las pupilas. Cuando Estrella Morente entra en la habitación, todo es ella. El aplomo y el poderío sobre las tablas no es pose. También es Estrella siendo Estrella. Unas leves ojeras circundan sus enormes ojos, pero ya no es la tristeza lo que las dibuja. Debe ser el cansancio acumulado de meses de trabajo por su nuevo disco, Amar en paz, la misma que le ha acercado el tiempo al alma. Aunque aún tenga que respirar hondo y carraspear si se nombra al maestro, el suyo. Y su padre, amigo, guía, norte. ídolo, compañero. Enrique Morente murió el 13 de diciembre de 2010, sin que nadie lo esperara, bajo la incredulidad de su familia. Y el desgarro de los huecos más profundos de su hija.

Cuatro años le han servido a la cantaora para dejar de ser "un corcho que va flotando por encima del aceite", como se definió en 2012 al volver a subirse a un escenario con Autorretrato, el proyecto inacabado que Enrique Morente concibió para su hija, templada ahora frente al torrente emocional que la arrastró, incluso, a no tener ilusión por nada, a un abismo del que no estaba segura de poder salir. "El trabajo y la vida te va haciendo tomar otras actitudes con una mititilla más de serenidad; y te hace mirar las cosas con otra tranquilidad y otra conformidad". El arte, el trabajo, los compañeros y su familia han sido su flotador. "Aunque te niegas al principio, acabas comprendiéndolo. Y asumes que hay que seguir viviendo".

Ella no solo ha seguido. Ha remontado. "Para algo tiene que servir", susurra con una mueca de resignación. "Volver a empezar dando lo mejor posible después de ese momento que marcó un antes y un después. Y volver para aprender".

- ¿Para aprender qué, Estrella?

- A volver a tener ilusión por la vida, por la creación. El amor por la música.

El que la llevó, finalmente, a sumergirse en la idea que desde años atrás venía paseando por la mente de Fernando Trueba y que se ha materializado este 28 de octubre en un disco del tamaño de un single de vinilo con la rubrica de Mariscal en el diseño. Trueba quería crear un proyecto que fuese una "carta de amor" a la música brasileña. Canciones históricas de Brasil, la voz de Estrella Morente, y la guitarra de Niño Josele. Un cóctel tan hondo como cálido.

Manã de carnaval, O amor en paz, Dindi, Amargura, entre otras 12. Acordes conocidos, algunos históricos, que Trueba —ese ferviente amante de la música de Brasil— eligió pensando en la flamenca. "Son canciones que yo sentía próximas a ella, a su estilo, su voz, a su carácter, aunque aparentemente pertenecieran a otra cultura, a un universo musical lejano, ajeno". Pero era solo eso: apariencia. El disco suena a historia de Brasil, a ecos de notas conocidas, a versiones mil veces entonadas. Pero también tañen los dedos de Josele, y reverbera la garganta de Morente. Algo nuevo surgido de un seleccionadísimo puñado de clásicos, desde Vinicius de Morais hasta Ary Barroso.

Asegura Morente, con manos y piernas entrelazadas, que la humildad frente a esos nombres es esencial: "La humildad y la solidaridad es lo que te permite avanzar como ser humano. Ser honesto y ser buena persona, sacrificarse. Eso es lo que importa". Insiste y recalca. Especifica. La cantaora de espesa y leonada melena no quiere dejar nada al aire. Es concisa, y no le importa detenerse una docena de segundos para decir, exactamente, lo que quiere decir. "La voluntad llama a la calidad. Pero cuando no hay voluntad, aunque haya calidad, se pierde". Ella gasta ambas. Modesta, cree que más de la primera, y le añade el respeto, a todos, incluso a aquellos que le regalan críticas para nada constructivas. "Los demás no tienen por qué estar obligados a entenderte, pero tú sí tienes la obligación de expresarte lo mejor posible. Yo no me atrevo a decir si lo que dicen es verdad o no, porque cada uno tiene una percepción diferente del arte. Lo que a uno le parece puro y cristalino, otro lo percibe como inentendible y oscuro".

Estrella Morente cambia de cruce, la pierna izquierda sobre la derecha. "Es nuestro tesoro". Se refiere al disco. "Recuerdo a Fernando viniendo a casa siempre con algo bajo el brazo que había descubierto, para que lo escucháramos. Desde hace años". Esa relación estrecha y permanente del director con la familia Morente ha servido como ensayo. "Llevamos mucho tiempo interiorizando esas canciones, poquito a poco. Y es una suerte inmensa trabajar bajo la dirección de esa enciclopedia viva que es Fernando. Ahora lo único que queremos es compartirlo". Solo se comparte aquello que de alguna forma te pertenece, y ella, "con el máximo respeto a todos los que han interpretado esas canciones", lo ha hecho suyo. Y como si lo fuera en realidad, se desborda en cada pieza.

"Cada una de ellas está grabada a fuego y piel en mi garganta". Aunque sea incapaz de elegir una: "Son especiales Amar en paz y Baile del desamor. Me provocan cantar esa desilusión con una sonrisa, con otro sentido de la serenidad. Tras la puerta es quizás una de las que más me ha gustado cantar, un alarde de sinceridad y de sencillez". El impulso y continuación del nacimiento de la música brasileña, Villa-Lobos; el carácter abrumador y genial de Pixinguinha; Antonio Carlos Jobim, esa parada intermedia en los acordes del país latino el tándem acertado junto a Vinicius de Moraes; la intensísima Dolores Durán o el falsete de Milton Nascimento. Históricas voces entendidas desde el flamenco más racial y más puro de la voz de Morente y la guitarra de Josele.

"Cada vez me gusta más conocer cosas nuevas. Cuando más se encierra uno en uno mismo más se empobrece. Esto me ha aportado riqueza y universalidad. Y ha salido desde lo más profundo del alma, sin pensar tanto en tantas cosas, lo justo para que no se corroan dentro y puedan salir con alma y verdad". La suya es que ahora, por fin, puede, como su disco, amar en paz. Recordar en paz. Y volver.    

Categorías: Miscelanea

Icíar Bollaín retrata la decepción de los emigrantes españoles

Cultura ElPaís - Vie, 31/10/2014 - 11:03

“Me han obligado, me han sacado a patadas… yo no merecía esto”. El lamento de Mariví, una comerciante de 50 años en paro que se ha visto obligada a emigrar a Edimburgo (Escocia) en busca de trabajo, es, desgraciadamente, un lamento compartido. Son miles y miles los españoles que han buscado fuera de España una oportunidad de vida que aquí se les ha negado. Icíar Bollaín (Madrid, 1967) ha puesto la mirada en algunos de los que han elegido Edimburgo como lugar de esperanza con ‘En tierra extraña’, su primer documental como realizadora. Se podrá ver este fin de semana en una sala de cine de Madrid, además de estar disponible en las plataformas Filmin y Yomvi. A Barcelona, llegará el próximo fin de semana.

Siguiendo y rodando la iniciativa de Gloria, una almeriense de 32 años, profesora y dependienta de una tienda en Edimburgo, de realizar una acción con los guantes que se iba encontrando por las calles de la ciudad escocesa, Bollaín ha encontrado decepción, nostalgia y tristeza. Instalada en Edimburgo por motivos familiares, la realizadora madrileña se empezó preguntando por las similitudes de este proceso migratorio con el de los años sesenta. “Hoy la gente está más preparada y más comunicada, pero la decepción y la frustración es casi mayor”. Son jóvenes y no tan jóvenes los que van confesando en ‘En tierra extraña’, que se presentó en el último Festival de Cine de San Sebastián, sus aterradoras situaciones. “Me ha sorprendido el dibujo de la situación laboral de España, sabes que es mala pero cuando te van contando en primera persona es aterradora, no hay salida, ni futuro, te lo van diciendo uno tras otro. Existe una gran decepción por no haber encontrado lo que esperaban después de estudiar una carrera y también una sensación de haber sido timados. Ellos han cumplido su parte del contrato, que fue la de estudiar y prepararse, y ahora se encuentran que no pueden ejercer”. A esto le pone palabras en el filme María José, una ingeniera química de 30 años: “Hemos hecho lo que teníamos que hacer, nuestros padres se han esforzado muchísimo por nosotros y ahora… gano más aquí limpiando en un hotel que como ingeniera química en España”.

La realizadora de ‘Te doy mis ojos’, ‘Flores de otro mundo’ o ‘También la lluvia’, entre otros títulos, también se pregunta el porqué de tanta precariedad laboral y tanto paro cuando hay “grandes empresarios y banqueros que se están beneficiando con nuestra crisis”. “Los partidos políticos han provocado una gran decepción también, la corrupción ha dejado a la gente perpleja, viendo como muchos se llevan el dinero a manos llenas. Es una sensación de decepción total, también de los partidos de izquierda que han gobernado tanto tiempo y no han hecho una política diferente”.

Y siguiendo la acción de los guantes, que finalmente se colocan todos juntos frente a la embajada de España en Edimburgo, y también salpicado de frases del monólogo teatral que Alberto San Juan realiza en ‘Autorretrato de un joven capitalista español’, el documental de Bollaín se descubre ante la realidad de la emigración, en la que no faltan las lágrimas. “Más que perdida, somos la generación frustrada, estamos como en un limbo” (Mirian, 26 años, licenciada en Psicología, limpiadora y camarera). “Ahora me veo reflejado en todos los emigrantes que venían a España” (Fran, 26 años, licenciado en Ciencias Políticas, trabajador social). Son muchas las frases, las confesiones y las amarguras de la gente que va pasando por ‘En tierra extraña’. Pero la voz de un hombre anciano que fue emigrante en los años sesenta suena ahora atronadora. Se llama José y es el abuelo de Gloria. “Maldita la tierra que no da de comer a sus hijos”.

Categorías: Miscelanea

Primas de Riesgo se pasa al porno

Cultura ElMundo - Vie, 31/10/2014 - 09:37
Suena impactante, así, en seco, pero no es menos cierto. La compañía Primas de Riesgo que dirige Karina Garantivá ha iniciado el proceso para convertirse en una distribuidora de revistas pornográficas en las que incluirán una invitación para ir a ver su obra 'El mágico prodigioso'. Leer
Categorías: Miscelanea

El último grupo de La Movida

Cultura ElMundo - Vie, 31/10/2014 - 09:15
El grupo de música Malevaje celebra sus 30 años con un concierto en el Círculo de Bellas Artes. Leer
Categorías: Miscelanea

La séptima maravilla de PTA

Cultura ElMundo - Vie, 31/10/2014 - 04:15
Con un pie en el cine negro de los 70 y con el otro en su propio y particularísimo universo, Paul Thomas Anderson recorre el perfil de una pesadilla tan absorbente y magnética como, admitámoslo, indescifrable. Leer
Categorías: Miscelanea

Donde Gades encontró a Carmen

Cultura ElMundo - Vie, 31/10/2014 - 04:14
La exposición "Bourio y Amor de Dios. Una vida dedicada a la danza" muestra el legado del impulsor del centro donde enseñaron los grandes del baile español . Leer
Categorías: Miscelanea
Distribuir contenido